ARTES PLASTICAS EN TIEMPOS DE

LA COVID – 19

LA OBRA DE

Sandra Gamarra Heshiki

INSTALACIONES Y REFLEXIONES

SOBRE LA REALIDAD

Sandra Gamarra nació en Lima y estudió Artes Plásticas en la Universidad Católica del Perú. En el año 2002 crea el LiMac, un verdadero/falso museo, como respuesta al vacío institucional en Perú. Inicialmente hecho en base de “souvenirs”: borradores, lápices, yoyos, Gamarra desarrollará la colección del museo con sus apropiaciones pintadas y además su proyecto arquitectónico como un edificio invisible construído bajo el desierto de Lima.

El LiMac se presenta principalmente en museos, galerías, ferias, así como en su propia web y en el estudio de la artista, donde se organizan exposiciones colectivas cada año.

Su interés en la producción cultural como una construcción en equilibrio la han llevado a crear pirámides hechas en base a lienzos, así como construcciones escultóricas de pinturas que recrean libros superpuestas en los suelos de las galerías ó falsas paredes que ocultan videos. 

Siempre camuflada ó híbrida, el constante uso de la pintura en Gamarra actúa como un espejo que altera los formatos expositivos, las narrativas y la propiedad de la cultura.

Sandra Gamarra Heshiki (Lima, 1972) es una pintora peruana residente en España que emplea en sus obras objetos no artísticos. Reflexiona sobre la realidad a partir de las relaciones y mecanismos del mundo del arte y la apropiación. Actualmente vive y trabaja en Madrid.

Entre 1990 y 1997 estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Perú, doctorándose en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, de la Universidad de Castilla-La Mancha (España) en 2003.

En 2002 creó el LiMac - Museo de Arte Contemporáneo de Lima, un museo itinerante inicialmente basado en Lima y coordinado por Antoine Henry-Jonquères​ que busca que los visitantes tengan una visión general de los proyectos artísticos que influyen y afectan a la ciudad,​ caracterizado además por mezclar la apropiación con la labor de archivo.

Gamarra describía su obra del siguiente modo: Mi trabajo está dividido en dos vertientes: Una la de mi propio imaginario y por otra, la utilización del imaginario de otros artistas. Pero también me he dado cuenta de que mi imaginario estaba ya dentro de los otros. Cuando lo uso, es todo una continua reproducción de mi propio imaginario, por lo que, a fin de cuentas, yo soy también mi propio artista.

En 2002 Sandra Gamarra propuso la fundación del LiMac (Museo de Arte Contemporáneo de Lima), un proyecto que responde a la ausencia de un espacio dedicado al arte contemporáneo en su ciudad de nacimiento y que reflexiona sobre la importancia que para la cultura contemporánea tiene esa institución como creadora universal de modernidad. 

En su propuesta, Sandra Gamarra plantea el museo como una entidad cultural que transciende el espacio real de exposición.

El LiMac es un conjunto de objetos y documentos —entre los que se incluye un sitio web— exhibibles como obra de arte en un espacio expositivo. Rememorando el experimento que llevara a cabo Marcel Duchamp con su Boite en valise, la instalación se presenta con su colección, su tienda de museo y toda la parafernalia habitual en cualquier museo de arte contemporáneo de “nivel internacional”.

Al reflexionar sobre la manera de percibir el museo en un mundo cada vez más globalizado y virtual, Sandra Gamarra juega con la realidad o relevancia de una institución de “cemento y ladrillo”.

Sandra Gamarra describía su obra del siguiente modo: «Mi trabajo está dividido en dos vertientes: Una la de mi propio imaginario y por otra, la utilización del imaginario de otros artistas. 

Pero también me he dado cuenta de que mi imaginario estaba ya dentro de los otros. Cuando lo uso, es todo una continua reproducción de mi propio imaginario, por lo que, a fin de cuentas, yo soy también mi propio artista”.

Sandra Gamarra es una de las artistas visuales peruanas de mayor proyección internacional. Racidaca en Madrid, su trabajo reflexiona sobre la realidad a partir de las relaciones y mecanismos del mundo del arte y la apropiación.  

La primera sorpresa que la artista se llevó al buscar las pinturas en el Museo Nacional de Antropología fue descubrir que ni siquiera estas obras estaban colgadas.

Las autoridades del museo ni siquiera les habían atribuido a estas piezas un valor artístico o conceptual. Algo que no debería sorprendernos, pues recién en los últimos años los estudiosos españoles han ido abandonado su profundo desdén por el arte colonial americano, al que por mucho tiempo consideraban meras copias del arte religioso europeo.

Gamarra, explica que tenía una fantasía permanente: que estos cuadros no solo volvieran a estar expuestos, sino presentados en un museo de arte, lejos de esa trama antropológica que los consideraba simples documentos de la ciencia del siglo XVIII.

Así, pensando en el proyecto con su pareja, Antoine Henry-Jonqueres, director del LiMac, (ficción museal que ambos desarrollan), llegaron a la conclusión que la manera correcta para que estas piezas ocuparan el lugar que merecen, era donarlas al MALI. Por ello, para ambos, parte del concepto de la propia serie está en el hecho de haber sido realizadas para ser donadas, reemplazando así este simbólico vacío. 

Es una especie de espejismo, el eco de una obra pintada hace 251 años, que le permite hablar no solo de las razas que conforman la sociedad peruana, sino especialmente del sentido último de “Producción” y “Reproducción”. Por un lado, la reproducción masiva de las obras de arte, y por otro, el papel subordinado de las mujeres en la producción y la reproducción de la fuerza laboral. 

Para ello, la artista parte de la palabra “produce”, empleada reiteradamente en las leyendas de las pinturas originales (blanco e india producen mestizo, Negra de Guinea y español produce mulato, entre otras) y enlaza este subtexto con citas manuscritas de influyentes pensadoras feministas contemporáneas como Silvia Federici o Claudia Mazzei, referidas al patriarcado histórico.

Por cierto, para hacer aún más coherente con el concepto de las piezas, para la realización de las piezas la artista las mandó a hacer a una empresa China, el país que hoy define nuestro imaginario ligado a la reproducción masiva. 

“Yo quería imaginarme en el momento en que se hicieron las pinturas originales, cuando el Perú era un centro de producción de obras religiosas, donde había muchos talleres y éramos, sobre todo, copistas”, señala la artista visual. 

Paradójicamente, advierte Gamarra, hoy el lugar de donde sale prácticamente todas las reproducciones de pinturas es China, como gran fábrica visual. “En estas obras, yo quería que la observación del espectador no pasara por la mano del pintor, sino que se trasladara a la idea de reproducción masiva”, explica.

 ¿Cómo ubicamos la serie “Producción / Reproducción” dentro de un trabajo tan personal tuyo, ligado a la paradoja visual, los mecanismos del mundo del arte y la apropiación?

Hace algunos años me invitaron a presentar un proyecto para el MALI, pero por diferentes motivos fue postergándose. No fue para nada premeditado que sea presentada para el Bicentenario, aunque dada la coyuntura, pareciera pensada para este momento.

Ha sido muy enriquecedor trabajar con él. Conversando, lograba encontrar con él otras respuestas e información que él tenía mucha más fresca y a la mano. Wuffarden podía rastrear cómo ya el comercio de productos Chinos en tiempos del virreinato tenía ya estas características de reproducción de un original. 

Él sabía, por ejemplo, que había un comercio de telas que copiaban la manufactura europea, que resultaban mucho más baratas. Me comentaba que, seguramente, las ropas que se plasman en los cuadros del mestizaje seguramente eran confeccionados con las telas procedentes de China. Es muy interesante rastrear en la historia la fascinación que los peruanos tenemos con la copia.

El pasado resulta mucho más contemporáneo que nos imaginamos. Sin embargo, hay toda una tradición académica que menosprecia las copias en la pintura. ¿Hoy estamos revalorizándolas, añadiéndole un nuevo sentido?

Si hay algo muy contemporáneo en la pintura virreinal radica en que es un arte de copias. De repente, es una forma de acercarnos a lo contemporáneo desde ese lado. Hoy la idea de “autoría” es mucho más amplia y flexible, y con ellos se ha abierto un campo fértil para repensar la creación sin esa carga tan pesada que esta supone.

El tema de género en esta muestra es evidente. Cuando los cuadros originales utilizan la palabra producción como el fruto del “cruce de razas”, tú lo asumes con otro sentido: la situación de la mujer subordinada en el rol de reproducción de los hijos, considerados futura mano de obra.

La mujer está relegada en el plano del salario, pero no en el de la labor, porque allí nunca ha parado. Sí que me interesaba poner en el mismo plano la idea de la “producción”, más asociada a lo masculino, versus la idea de “reproducción” que incluye el mismo cuidado de los hijos. Reproducir un futuro obrero obliga a una serie cuidados, años para que un niño termine siendo “una persona de bien”.

¡Además! Cuando pensaba en el título de la muestra, no podía dejar de pensar en mi hijo pequeño y mi propio cuadro de castas que lo ha producido. Todas estas son reflexiones que vienen con la observación de mi propia transformación. He tenido que adecuarme a lo que es trabajar con un niño.

¿Qué ha cambiado en tu trabajo con la maternidad? ¡Tema largo! (ríe). Creo que tal vez porque una es la que carga, la que da de lactar, desde un principio pensé en los cuidados que debía de tener con mi cuerpo, ya que iba a ser compartido por otro ser. El cambio empezó por los materiales que utilizaba para trabajar. No sé si la vida te cambia, pero sí ha tenido que ampliarse, crear otros espacios para poder hacerme a mí misma.

Tu exposición inaugura como espacio la Sala de Arte Contemporáneo del Mali. ¿Qué representa para ti ese ingreso? La verdad, ha sido una muestra que se ha ido moviendo en el tiempo y en el espacio. Al inicio, me habían invitado a ocupar el espacio de las escaleras, y poco a poco, no sé cómo, me fui metiendo al segundo piso. No ha sido intencional, pero siempre he sentido que me he ido camuflando en la autoría de otros.

El hecho de que sean piezas no originales y no pintadas por mí, casi casi me coloca en una posición de observadora de lo que está pasando. Y ahora más, sin siquiera estar en Lima. La distancia es real.

Siempre he sentido que la serie de las castas me iba hablando por partes. Al inicio, esta cuestión tan racional de decir: blanco e india producen mestizo, esta fantasía de decir A + B = C, me molestaba.

Yo también vengo de una familia mixta y cada uno de mis hermanos es más diferente que el otro. La serie me hacía sentir un error, porque nunca damos C como resultado, sino muchas variantes. En ese sentido, esta muestra es una oportunidad para perturbar este orden.

Sandra Gamarra
Información personal
Nacimiento	1972  Lima (Perú)
Residencia	Madrid, España
Nacionalidad	Peruana
Educación
Educada en	Pontificia Universidad Católica del Perú Universidad de Castilla-La Mancha
Información profesional
Ocupación	Pintora, dibujante y artista de instalaciones
Web
Sitio web	li-mac.org
[editar datos en Wikidata]

 

 Julio Ríos

Sandra Gamarra Heshiki (Lima, Perú, 1972) es una artista conceptual peruana residente en España que emplea en su pintura objetos no artísticos para hacer arte. Reflexiona sobre la realidad a partir de las relaciones y mecanismos del mundo del arte y la apropiación. Actualmente vive y trabaja en Madrid.

Es la pintora de su generación más respetada de América Latina, por la profundidad de sus planteamientos conceptuales y su fiereza en defenderlos.

Prolífica como pocas, su trabajo está presente en importantes museos como el MoMA de Nueva York o la Tate londinense. «Testino es un artista: no creo que la foto de moda pueda separarse de la fotografía que se expone en galerías, y además está moviendo la escena peruana local con su Asociación MATE [una sala de exposiciones en su hogar en Lima]». «Busco generar cierta incomodidad en el espectador. Aunque siempre me circunscribo a los elementos del arte, creo que mi pintura también habla del mundo. Tiene el potencial de exigir que te preguntes qué ocurriría si decidieras patear el tablero de la realidad», susbraya.

En España, la limeña Sandra Gamarra aprendió que no se concebía que un país no tuviera su museo. «Por eso creé el Limac (Museo de Arte Contemporáneo de Lima).

En principio era solo una web que daba la apariencia de una institución real». Aunque delegó la dirección del Limac hace ya cinco años (ahora en manos de su pareja, el investigador y comisario Antoine Henry-Jonquères),

Gamarra ya estaba concentrada en la pintura desde mucho antes. Se hizo apropiacionista: copiaba obras señaladas de los catálogos de grandes museos del mundo tal y como se representaban en sus páginas. Una denuncia del colonialismo cultural que la ha empujado hacia una posición de «total desconfianza ante las imágenes seleccionadas que terminan por conformar nuestra realidad».

Talentosa, prolija y con un estilo muy claro en su obra, Gamarra se destaca en el arte de la instalación artística –no solo es el montaje y el ordenamiento de objetos producidos o intervenidos– en un espacio o ambiente; las instalaciones de Gamarra tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta la artista en su obra física o intangible y lo que esta provoca en la interacción con el espectador.

La forma artística de Gamarra –que ocupa un espacio determinado y envuelve al espectador–, ya no se encuentra frente a la obra, sino en la obra. Su punto de vista es desplazado del exterior al interior, y es multiplicado según el punto de vista particular de esta artista.

Con su incursión en la instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo de Gamarra, entrevera un género de arte contemporáneo que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte del arma experimental artística de Gamarra, que puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio.

Sandra Gamarra es muy carismática, su presencia que entrevera rasgos japoneses –habida cuenta que su madre es oriunda del Japón–, se muestra en libertad en su trabajo de instaladora artística. Arropada por un conjunto de dos piezas color azul, a través de mucha piel desnuda y unos tacones anaranjados, ella se muestra elegante, muy escotada y con el saco del traje vestido con el cuerpo desnudo debajo. Su obra orientada hacia fines trascendentales, es capaz de crear sin cesar en las insospechadas y agrandadas formas, en un escenario listo para ser instalado con el arte de Gamarra.

By Julio Ríos

INSTALLATION IN ART OF SANDRA WHOSE PRESENCE IS OBSERVED SHE IS SEEN VERY LOW-CUT THROUGH THE BLUE OUTFIT SHE WEARS WITH HER NAKED BODY UNDERNEATH.

Sandra Gamarra Heshiki (Lima, Peru, 1972) is a Peruvian conceptual artist living in Spain who uses non-artistic objects in her paintings to make art. She reflects on reality from the relationships and mechanisms of the art world and appropriation. She currently lives and works in Madrid.

She is the most respected painter of her generation in Latin America, for the depth of her conceptual approaches and her fierceness in defending them.

Prolific like few others, her work is present in important museums such as the MoMA in New York or the Tate in London. "Testino is an artist: I don't think fashion photography can be separated from photography that is exhibited in galleries, and he is also moving the local Peruvian scene with his Asociación MATE [a showroom in his home in Lima]." "I seek to generate a certain discomfort in the viewer. Although I always confine myself to the elements of art, I think my painting also speaks of the world. It has the potential to demand that you ask yourself what would happen if you decided to kick the reality board," she stresses.

In Spain, Lima-born Sandra Gamarra learned that it was inconceivable for a country not to have its museum. "That's why I created Limac (Museo de Arte Contemporáneo de Lima).

At first it was just a website that gave the appearance of a real institution." Although she delegated the direction of Limac five years ago (now in the hands of her partner, researcher and curator Antoine Henry-Jonquères),

Gamarra was already focused on painting long before that. She became an appropriationist: she copied works from the catalogs of the great museums of the world as they were represented in their pages. A denunciation of cultural colonialism that has pushed her towards a position of "total distrust of the selected images that end up shaping our reality".

Talented, neat and with a very clear style in her work, Gamarra stands out in the art of artistic installation -it is not only the assembly and arrangement of produced or intervened objects- in a space or environment; Gamarra's installations make sense in the grounded ideas that the artist conceives and presents in her physical or intangible work and what this provokes in the interaction with the spectator.

Gamarra's artistic form -which occupies a given space and involves the viewer-, is no longer in front of the work, but in the work. Her point of view is displaced from the exterior to the interior, and is multiplied according to the particular point of view of this artist.

With her incursion into installation art, Gamarra's installation art or installationism, she interweaves a genre of contemporary art that emerged in the 1960s with the idea that the work prevails over its formal aspects. It is part of Gamarra's experimental artistic weapon, which can be temporary and can be represented in any space.

Sandra Gamarra is very charismatic, her presence that intermingles Japanese traits -since her mother is a native of Japan-, is shown in freedom in her work as an artistic installer. Wrapped in a blue two-piece ensemble, through a lot of bare skin and orange heels, she appears elegant, very low-cut and with the jacket of the suit dressed with the naked body underneath. Her work oriented towards transcendental purposes, is able to create endlessly in the unsuspected and enlarged forms, on a stage ready to be installed with Gamarra's art.

 フリオ・リオス

存在が観察されるサンドラのアートでのインスタレーション は、彼女が着ている青い衣装の下に裸体があるため、とてもローカットに見えます。

サンドラ・ガマラ・ヘシキ（1972年、ペルー・リマ生まれ）は、スペイン在住のペルー人コンセプチュアル・アーティストで、絵画の中に非芸術的なものを使ってアートを作っています。美術界の関係や仕組み、アプロプリエーションをもとに現実を映し出す。現在はマドリッドを拠点に活動しています。

彼女は、そのコンセプチュアルなアプローチの深さと、それに対する激しい擁護によって、同世代のラテンアメリカで最も尊敬されているペインターです。

彼女の作品は、ニューヨークのMoMAやロンドンのテートなどの重要な美術館で展示されていますが、他に類を見ないほど多作です。"テスティーノはアーティストです。ファッション写真はギャラリーで展示される写真と切り離すことはできないと思いますし、彼はAsociación MATE（リマの自宅にショールームを設置）で地元ペルーのシーンも動かしています。" 「私は、見る人にある種の違和感を与えることを目指しています。私はいつも芸術の要素に限定していますが、私の絵も世界を語っていると思います。現実のチェス盤を蹴ることにしたらどうなるだろう、と思わせる可能性を秘めています」と強調します。

リマ出身のサンドラ・ガマラは、スペインで、自分の国に美術館がないことは考えられないと学んだ。"Limac（Museo de Contemporáneo de Lima）"を作ったのもそのためです。

最初は、本物の施設のように見せかけたウェブサイトに過ぎなかった」。彼女は5年前にリマックの監督を引き継ぎましたが（現在は彼女のパートナーである研究者兼キュレーターのアントワーヌ・アンリ＝ジョンクエール氏が担当）。

ガマラはすでに長い間、絵を描くことに集中していました。彼女は、世界の主要な美術館のカタログに掲載されている作品をそのままコピーするアプロプリエーション主義者となりました。文化的な植民地主義を非難することで、彼女は「私たちの現実を形成することになる選択されたイメージに対して完全な不信感を抱く」という立場に追い込まれました。

ガマラのインスタレーションは、空間や環境の中で、制作された、あるいは介入されたオブジェクトを組み立て、配置するだけではありません。ガマラのインスタレーションは、アーティストが物理的または無形の作品の中で考え、提示する根拠となるアイデアと、それが観客との相互作用の中で引き起こすものに意味があるのです。

与えられた空間を占有し、鑑賞者を包み込むガマラの芸術形態は、もはや作品の前ではなく、作品の中にある。彼女の視点は、外側から内側へと変位し、このアーティストの特殊な視点に応じて増殖していくのです。

ガマラのインスタレーションアート（インスタレーショニズム）は、1960年代に登場した現代美術のジャンルを織り交ぜながら、形式的な側面よりも作品が優先されるという考え方で、インスタレーションアートに進出しました。これはGamarra氏の実験的な芸術的武器の一部であり、一時的なものであったり、どんな空間でも上演できるものです。

サンドラ・ガマラは非常にカリスマ性があり、母親が日本出身ということもあり、日本的な特徴を持つ彼女の存在感は、アートインストーラーとしての仕事で自由に発揮されています。ブルーのツーピースアンサンブルに身を包み、素肌を多く見せ、オレンジのヒールを履いた彼女は、エレガントで、非常にローカットで、スーツの上着を着て下半身は裸になっているように見えます。超越的な目的を志向する彼女の作品は、ガマラの芸術が用意された舞台の上で、予想外に拡大された形で無限に創造することができます。

 

Julio Ríos, escritor y crítico de arte, licenciado en ciencias de la comunicación, es asesor en proyectos de redacción. Escribió el libro DIECIOCHO CRÓNICAS Y UN RELATO, la novela LA TRIADA DE LA MOSCA (Primera Edición 2008 y Segunda Edición 2016), y EL ALTO PARA TODOS (2017). En la fecha trabaja una novela basada en la vida y obra de W.A.Mozart. Estudió en la Universidad Mayor Real y Pontifica de San Francisco Xavier de Sucre y en la Universidad Católica de La Paz. Hizo un diplomado en investigación periodística en la Universidad de La Jolla en San Diego, California.

Sandra Gamarra Heshiki (Lima, Perú, 1972) en la actualidad vive y trabaja entre Lima y Madrid. En su trabajo utiliza los mecanismos del mundo del arte, procesos de producción, exhibición, divulgación y comercialización, para hacer una reflexión sobre la realidad. Para ella la ficción, la traducción y la selección son ingredientes esenciales de la realidad, pero a gran escala se disuelven en el espectáculo, haciéndose imperceptibles. Su trabajo ironiza sobre estos procedimientos haciéndolos visibles para cuestionar nuestra participación en ellos.

Su obra propone que una de las maneras de responder y hacer frente a una realidad que se presenta como inabarcable, es utilizar sus propios mecanismos de “creación”, friccionando con valores como novedad, autoría, originalidad y unicidad. Basado en la apropiación, su trabajo actúa como un espejo que desplaza formatos expositivos, altera la circulación de las imágenes, subvierte la propiedad de la cultura como también la narrativa entre el arte y el espectador. Dentro de este espacio de investigación, su herencia peruana añade un nivel sincrético donde lo precolombino, colonial y la cultura occidental confluyen.

Algunas de sus últimas exposiciones recontextualizan los géneros de la pintura como son el paisaje, el autorretrato o el bodegón. En 2002 ante la ausencia de una institución en el campo de las artes contemporáneas en su país de origen, crea el LiMac (Museo de Arte

Contemporáneo de Lima), museo ficticio que se establece a partir de un logo sobre objetos de merchandising (lápices, borradores, tazas, bolsas). Desde aquí, el LiMac, produce colecciones, exhibiciones, publicaciones y un proyecto arquitectónico y su propia página web. (www.li-mac.org)

Ha expuesto en la 11ª. Bienal de Berlín, en la XXIX Bienal de Sao Paulo, en el pabellón Italo-Latino Americano (IILA) en la 53 bienal de Venecia, en la XI Bienal de Cuenca. Ha sido parte de las exposiciones Territorios indefinidos, Perspectivas sobre el legado colonial, MACBA, (Barcelona, España); En orden de Aparición, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, (Madrid, España), Todos los tonos de la rabia, MUSAC, (León, España); Mil bestias que rugen, CAAC, (Sevilla, España); Vacío museal, MAC-Lima, (Lima, Perú); Lo Real Maravilloso, Museo de arte contemporáneo de Tokio (Japón); Setting the Scene, Tate Modern (Londres, Reino Unido), entre otras. Su obra es parte de colecciones particulares y públicas en el Perú y el extranjero.

Sandra Gamarra Heshiki (Lima, Peru, 1972) currently lives and works between Lima and Madrid. In her work she uses the mechanisms of the art world, processes of production, exhibition, dissemination and commercialisation, to reflect on reality. For her, fiction, translation and selection are essential ingredients of reality, but on a large scale they dissolve in the spectacle, becoming imperceptible. Her work ironises these procedures by making them visible in order to question our participation in them.

His work proposes that one of the ways to respond to and confront a reality that presents itself as unfathomable is to use its own mechanisms of "creation", fricting with values such as novelty, authorship, originality and uniqueness. Based on appropriation, his work acts as a mirror that displaces exhibition formats, alters the circulation of images, subverts the ownership of culture as well as the narrative between art and spectator. Within this space of investigation, his Peruvian heritage adds a syncretic level where pre-Columbian, colonial and Western culture converge.

Some of his latest exhibitions recontextualise painting genres such as landscape, self-portrait and still life. In 2002, in the absence of an institution in the field of contemporary art in his country of origin, he created LiMac (Museo de Arte Contemporáneo de Lima), a fictitious museum based on a logo on merchandising objects (pencils, erasers, cups, bags). From here, LiMac produces collections, exhibitions, publications, an architectural project and its own website. (www.li-mac.org)

He has exhibited at the 11th. Berlin Biennial, at the XXIX Sao Paulo Biennial, at the Italo-Latin American Pavilion (IILA) at the 53rd Venice Biennial, at the XI Cuenca Biennial. He has been part of the exhibitions Territorios indefinidos, Perspectivas sobre el legado colonial, MACBA, (Barcelona, Spain); En orden de Aparición, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, (Madrid, Spain), Todos los tonos de la rabia, MUSAC, (León, Spain); Mil bestias que rugen, CAAC, (Seville, Spain); Vacío museal, MAC-Lima, (Lima, Peru); Lo Real Maravilloso, Tokyo Museum of Contemporary Art (Japan); Setting the Scene, Tate Modern (London, UK), among others. His work is part of private and public collections in Peru and abroad.

 サンドラ・ガマラ・ヘシキ（1972年、ペルー・リマ生まれ）は、現在、リマとマドリッドを行き来して活動しています。彼女は作品の中で、アートの世界のメカニズム、生産、展示、普及、商業化のプロセスを利用して、現実を考察しています。彼女にとって、フィクション、翻訳、選択は現実の不可欠な要素ですが、大きなスケールではスペクタクルの中で溶解し、知覚できなくなります。彼女の作品は、私たちがこれらの手続きに参加することを疑問視するために、これらの手続きを可視化することで、これらの手続きを皮肉っています。

彼の作品は、理解不能な現実に対応し、立ち向かう方法の一つとして、新規性、作家性、独創性、独自性などの価値を持つ独自の「創造」のメカニズムを用いることを提案しています。アプロプリエーションに基づいた彼の作品は、展覧会の形式を変え、イメージの流通を変え、文化の所有権や芸術と観客の間の物語を覆す鏡のような役割を果たしています。この調査空間の中で、彼のペルーの伝統は、コロンブス以前の文化、植民地時代の文化、西洋文化が融合するシンクレティックなレベルを加えています。

最近の展覧会では、風景、自画像、静物などの絵画のジャンルを再構成したものもあります。2002年、出身国に現代美術の機関がないことから、商品化されたオブジェクト（鉛筆、消しゴム、カップ、バッグ）のロゴをもとにした架空の美術館「LiMac（Museo de Arte Contemporáneo de Lima）」を創設しました。ここから、LiMacはコレクション、展覧会、出版物、建築プロジェクト、独自のウェブサイトを制作しています。(www.li-mac.org)

11に出展しています。ベルリン・ビエンナーレ、第29回サンパウロ・ビエンナーレ、第53回ヴェネチア・ビエンナーレのイタロ・ラテンアメリカ館（IILA）、第11回クエンカ・ビエンナーレ。また、「Territorios indefinidos, Perspectivas sobre el legado colonial」（MACBA、スペイン・バルセロナ）、「En orden de Aparición」（Real Academia de Bellas Artes de San Fernando、スペイン・マドリッド）、「Todos los tonos de la rabia」（MUSAC、スペイン・レオン）などの展覧会に参加しています。Mil bestias que rugen」CAAC（スペイン・セビリア）、「Vacío museal」MAC-Lima（ペルー・リマ）、「Lo Real Maravilloso」東京都現代美術館（日本）、「Setting the Scene」Tate Modern（イギリス・ロンドン）などが挙げられます。彼の作品は、ペルーや海外の個人および公共のコレクションに含まれています。